Entretien avec Nicolas Cluzel,
Madrid 27/10/18

« J’aime l’idée du tragi-comique »

Galerie Tournemire – La première chose qui nous vient à l’esprit lorsque l’on regarde tes œuvres, ce sont les nombreuses références dans lesquelles tu puises ton inspiration. Pourquoi choisir de s’intéresser particulièrement aux peintres classiques ?

Nicolas Cluzel – Il y a plusieurs raisons pour détourner, citer et rendre hommage aux peintres du passé. Une des premières est probablement d’ordre affectif puisque j’aime les œuvres de ces peintres. Ensuite, Il y a une dimension purement plastique et esthétique; je peux être intéressé par un tableau seulement pour sa composition ou pour sa lumière. Une autre dimension provient du sujet initial de la toile. Ce n’est pas par hasard si Caravage a peint des décapitations, si Goya a donné à voir les absurdités de son époque ou si Rubens nous a proposé un « massacre des innocents » avec tant de mouvement et de violence. Parfois le sujet initial intervient comme un élément déclencheur dans ma propre pratique, pour dire ce que j’ai envie de dire à ce moment-là. Un autre aspect, enfin, relève d’une forme de résistance. Nous, jeunes peintres, n’oublions pas d’où nous venons. Se référer à la peinture d’avant, c’est une forme de résistance esthétique à l’ère de l’image-utile, l’image-média, l’image-flux. Je suis pour le « faire», pour le sensible, la subjectivité et la singularité.

G.T. – Dans le cas de cette exposition, tu détournes les chefs-d’œuvre classiques pour donner ta propre vision du monde actuel. Souhaites-tu, dans ce sens-là, faire passer un message clair et arrêté ou bien laisses-tu libre cours d’interprétation au spectateur ?

N.C. – J’oscille entre les deux. C’est toute la problématique de mon travail. L’image est polysémique, son sens change en fonction du contexte. Pour moi, la peinture ne peut pas se limiter à être narrative mais doit mettre en scène son époque ! D’où le tiraillement… Comment parler de son époque sans être engagé et donc, en même temps, sans porter un message clair ? Matisse disait que la peinture doit servir à autre chose que la peinture. En effet, le pictural pur, pour lui-même, ne m’intéresse pas. Il faut que le pictural s’incarne et intensifie une forme, prenne corps dans une réalité extérieure. Si cette réalité a du fond, si cette réalité a un contenu fort, évoquant l’époque et ses travers par exemple, alors je trouve ça pertinent. Il s’agit d’un pictural expressif, vivant, couplé à un contenu existentiel ou politique, même si je suis toujours tiraillé entre la forme et le fond, entre le pictural et le sujet (…).

G.T. – Il y a ces références aux grands peintres, certes, mais ton style propre perdure, en arpentant les tableaux on reconnaît de suite ta touche. Aimes-tu le terme d’expressionniste pour qualifier ta peinture, et si oui, pourquoi es-tu plus sensible à ce style qu’à un autre ?

N.C. – Si l’on entend par expressionnisme, aujourd’hui, l’expression picturale d’un moi intérieur en souffrance, alors ce terme ne m’intéresse pas. Je ne me sens pas concerné par une pratique qui réduirait exclusivement la peinture à l’expression d’angoisses existentielles intérieures. Quand j’ai commencé la peinture, j’étais dans cette configuration. Je crois que j’ai compris, à partir de là, petit à petit, qu’il n’y a pas besoin d’être pathétique pour être subjectif. La peinture est bien entendu l’expression de l’artiste mais je ne crois pas qu’on ne puisse la confiner qu’à ça. Je pense qu’il y autre chose à dire que soi. En revanche, j’aime l’annonce expressionniste d’un Goya à la fin de sa vie, et les mouvements expressionnistes du début du XXème siècle.

G.T. – Il y a les références, ta touche picturale mais aussi tes personnages, peints d’une façon très particulière. Es-tu influencé par ta formation de dessinateur de bande-dessinée lorsque tu représentes tes personnages ? En déformant leurs visages et en les caricaturant, souhaites-tu remettre en question l’idée de beauté et d’équilibre de la peinture classique réaliste?

N.C. – La bande-dessinée a eu une influence sur moi, oui, même si c’est beaucoup moins le cas aujourd’hui. Ce qui m’intéresse dans la caricature c’est l’idée de grossir le trait. Je ne remets pas en cause pour autant l’idée harmonieuse et mesurée du Beau, l’époque que nous vivons n’est seulement pas au Beau. Si les corps sont déformés ou maltraités, c’est en partie parce que j’aime peindre la chair. Chez Cronenberg, la chair est la preuve de notre existence. Selon moi, le gore pour le gore n’a aucun intérêt. Il y a une dimension philosophique derrière. Nous sommes de la viande. Voilà ce que ça dit.  

G.T. – Une toile se démarque des autres, c’est « Tempête » où tu as abandonné tes personnages au profit d’un paysage de tempête proche de l’abstraction. Est-ce une recherche stylistique vers laquelle tu aimerais te diriger ?

N.C. – « Tempête » est un tableau particulier, c’est vrai, car il ne met plus en scène l’Homme mais évoque le déchainement de la nature. Ce n’est pas un tableau abstrait ! Abstraire, c’est extraire la substance, c’est le pictural pour le pictural et cela ne m’intéresse pas. Par contre le sujet de la tempête et plus largement celui du paysage m’interpelle. Tout comme les Natures Mortes. C’est une autre façon de parler de l’humain et de la période que nous vivons. La peinture, c’est de la recherche, de l’expérimentation. Les sujets font partie de ces recherches et il y en aura toujours de nouveaux à peindre.

G.T. – Goya est l’une de tes principales inspirations, il a toujours été contestataire envers son époque en dénonçant les excès de la société. Penses-tu être toi aussi ce que l’on appellerait un « artiste contestataire » ?

N.C. – Cette question est difficile et renvoie à celle d’avant. Il est certain que j’évoque les agissements contemporains liés, entres autres, aux notions de pouvoirs, de flux migratoires, d’extrémismes religieux et politiques, de marché de l’art ou encore de rapport à sa propre image. Mais je ne me sens pas contestataire. Contester, c’est aller contre. Or, l’idée est de se placer comme perturbateur, de ne pas avoir de ligne franche, claire. Il s’agit d’abord de peinture. Je ne suis pas dans le militantisme. Je me sens davantage critique que contestataire. J’utilise l’ironie pour brouiller les pistes tout en essayant de mettre le doigt là où ça fait mal.

G.T. – Une certaine violence ressort de tout ça, une violence qui définit en partie notre monde, penses-tu qu’en tant que peintre tu te dois de représenter cette violence, tel un devoir ? N.C. – Les artistes sont là pour interpeller. Ils engagent leur subjectivité et la partagent. Leur subjectivité entre en résonnance avec le monde. Ce monde peut prendre la forme de violence, comme dans mon cas, mais c’est une violence qui est aussi tournée en dérision. J’aime l’idée du tragicomique. Il ne nous reste plus que le rire. Le philosophe Clément Rosset disait qu’il y a beaucoup de sérieux dans nos fêtes. Le rire met une distance tout en conservant une part de vérité. Il est libérateur et permet de prendre du recul tout en évoquant des sujets graves, qui sont bien réels. Le titre que je donne aux tableaux y est pour beaucoup, il permet de dénoter. Au final, la violence est moins présente dans mes toiles que dans la réalité (…).